Пять ведущих предметных дизайнеров из Японии

Если спросить, с какой страной ассоциируется минимализм, после стран Скандинавии наверняка в голову придет Япония. Традиционный японский стиль отличается лаконичностью, чистотой цветов и вниманием к форме, а современные японские фирмы выпускают красивую и эргономичную мебель, технику, посуду.

Losko собрал пять предметных дизайнеров из Японии, на которых стоит обратить внимание.

Кадзушиге Мияке / Kazushige Miyake

Увлажнитель воздуха — один из самых популярных продуктов Мияке

Кадзушиге Мияке окончил Университет искусств Тама, один из лучших в Японии, и работал в Англии несколько лет, набираясь опыта. Вернувшись на родину, Мияке продолжил свой дизайнерский путь в различных студиях, включая и бюро Наото Фукасавы — японской легенды дизайна. В 2005 году Кадзушиге основал собственную студию, Miyake Design. Кроме основной работы, он преподает в альма матер и является одним из судей в дизайнерском конкурсе Good Design Award.

Студия Мияке в основном создает стильную технику и предметы быта. Дизайнер отдает предпочтение простым формам без лишних деталей и украшений, обнажая функциональность. Любовью к практичности отдает и выбор мобильных и портативных решений — маленькие, будто игрушечные вентиляторы и обогреватели, складные лампы и стулья. Также можно заметить тягу Мияке к натуральному дереву — несмотря на японскую традицию лакировки деревянных изделий, дизайнер старается минимизировать количество лака при производстве и максимально сохранить текстуру дерева.

Складная настольная лампа

Масахиро Мори / Masahiro Mori

G-type Soy Sauce Bottle

Масахиро Мори родился в 1927 году в префектуре Сага. Первым, как его бы назвали сейчас, стар-продуктом дизайнера стала посудина для соевого соуса G-type Soy Sauce Bottle — она выиграла престижную награду Good Design Award в 1960 году и производится до сих пор. После Второй мировой войны Мори посвятил себя дизайну посуды, отвечающей нуждам рядовых японцев. В его посуде отчетливо прослеживаются мотивы, свойственные национальной культуре: геометрические орнаменты, напоминающие росписи на ширмах, ограниченность цветовой палитры, использование бамбука или его имитация в расцветке изделий.

Причудливые кружки

Несмотря на то, что целью Масахиро Мори была лишь простота и функциональность, его дизайны пользовались и до сих пор пользуются огромной популярностью, что подтверждает и количество наград — только премию Good Design Award они выигрывали более 110 раз.

Эйсуке Тачикава / Eisuke Tachikawa

Контейнеры MAG

Молодой йокагамец Эйсуке Тачикава, движимый желанием помогать миру, основал студию Nosigner. Главной целью студии является решение задач, которые современное общество ставит перед человеком. Посредством своих работ Тачикава стремится создать инновации в различных сферах жизни: разработки Nosigner служат технологиям, образованию, экологии и многому другому. Также студия с удовольствием работает с локальными предприятиями и фирмами, поддерживая местные производства.

Помимо предметного дизайна, Nosigner занимаются интерьерами, графикой и веб-дизайном, а также создают книги и брошюры, которые поднимают социальные и экологические проблемы.

Дайсуке Китагава / Daisuke Kitagawa

Вешалка для одежды

До того, как основать собственную студию Design for Industry Inc., Дайсуке Китагава 10 лет работал в NEC Design — дочерней компании крупнейшего японского производителя электроники, создающей дизайн продуктов. Свою студию Китагава создавал с желанием прислушиваться к каждому, кто участвует в процессе создания вещи и донесения ее до потребителя — от технолога до продавца.

Конек Design for Industry — мультифункциональность. Многие предметы являются трансформерами, например, журнальный столик, который может служить пуфом и местом для хранения, или стеллаж-конструктор, к которому можно прикрепить деревянное сиденье, превратив его в табурет. На сайте студии утверждается: «Мы вкладываем заботу в создание вещей, которые будут воплощать объединенное достижение и будут приносить удовольствие своему владельцу долгое время».

Стеллаж-трансформер

Оки Сато / Oki Sato

Manga Chair

Оки Сато — выпускник архитектурного факультета токийского университета Васэдо и основатель дизайн-студии nendo. Через три года после открытия офиса в Токио, в 2005 году, амбициозный дизайнер начал работать еще и в Милане, а через год после этого имя Оки Сато стало появляться в прессе. В разное время он попадал в топы таких журналов, как Newsweek, Wallpaper, Dezeen, а также регулярно упоминался в японском издании Elle Decor. Помимо предметного дизайна, Сато также занимается архитектурой, интерьерами, графикой и освещением, а еще создает инсталляции и читает лекции в университете Васэда.

Дизайнер обозначает концепцию своей студии как желание собрать, выразить в доступной форме и передать людям такие моменты, которые заставляют нас чувствовать внутри маленькое « ! » в повседневной жизни. Пусть такие моменты и ускользают из памяти, по мнению Сато, именно они делают нашу жизнь интересной.

---

Мы уже писали про ключевого японского предметного дизайнера — Наото Фукасаву. Также посмотрите нашу подборку российских предметных дизайнеров.

Японское направление в моде | Журнал Ярмарки Мастеров

В 1970-е — начале 1980-х гг. ведущие позиции в мировой моде заняли японские дизайнеры одежды. Первым добился признания на Западе Кензо. Вслед за ним в неделях прет-а-порте стал принимать участие Иссей Мияке. В 1971 г. открыл свою фирму Кансай Ямамото. Показы коллекций он превращал в театрализованные шоу с живой музыкой, пиротехническими эффектами и профессиональными танцорами. Его модели представляли собой гибрид спортивной одежды, кимоно и японских декоративных мотивов. Их украшали аппликации в виде масок театра Кабуки, узоры в виде татуировок. Сапоги на огромных платформах напоминали традиционную японскую обувь гета. В 1972 г. основала собственный лейбл Юки Тори (Юки Торимару). Известность ей принесли элегантные вечерние платья из полиамидного джерси, драпированные каскадами складок. В 1977 г. в Синдикат высокой моды была принята Ханае Мори — первая не только среди японцев, но и модельеров неевропейского происхождения.

В начале 1980-х гг. Париж потрясли коллекции Ёджи Ямамото и Реи Кавакубо. Потом стали известны имена Мицуширо Мацуда (в 1982 г. открыл бутик в Нью-Йорке), Коджи Тацуно, Джун Ашида, Ёшики Хишинума, Юнко Шимада,Масатомо Ямаджи, Ацуро Таяма, Ешиоки Кониши, Мичико Кошино, Джуниа Ватанабе и др. Можно с полным правом говорить о «японском направлении» в дизайне одежды, тем более что существует несколько направлений в рамках «японского дизайна», каждое из которых развивает определенные тенденции в современной моде. Творчество японских дизайнеров представляет собой удачный пример диалога культурных традиций, тем более что из неевропейских модельеров пока только японцы оказали влияние на мировую моду.

Современный японский дизайн одежды представляет собой синтез восточной и западной традиций, которые взаимно дополняют и обогащают друг друга. Более чем тысячелетняя история японской культуры, несомненно, оказывает влияние на творчество любого японского дизайнера. В любом проекте японских дизайнеров, даже ультрасовременном, присутствует японская традиция, духовно обогащая предметный мир западного человека, которая существенно отличается от европейской. В этом ее ценность, ибо «одна культура может сказать то, чего не может сказать другая, и если мы не услышим чей-то голос, то звучание мировой культуры не будет полным».

Японские дизайнеры стали осваивать европейскую традицию в одежде только после Второй мировой войны, когда в Японию хлынул мощный поток западной культуры, прежде всего американской. Свежий взгляд (взгляд «со стороны») на застывшие каноны, которые европейским модельерам казались совершенно естественными, изменил современную одежду.

Японская традиция является очень интересной для современного дизайна, поскольку содержит в себе качества, ценные с точки зрения экологической ориентации в проектировании. При этом японские дизайнеры создают современную одежду, заимствуя из традиции не конкретные формы, а общие принципы создания костюма, композиционные приемы. В первую очередь они отталкиваются от конструкции японской одежды, для которой характерны удобство (за счет свободного покроя), простота, универсальность (при покрое не учитываются индивидуальные особенности фигуры). Свободный покрой — важнейшая особенность восточной одежды: она не деформирует тело, как европейская, а создает свободное пространство между телом и одеждой. В основе конструкции любой японской одежды, будь то кимоно, дзюбан или хаори, лежат простейшие геометрические формы. Этот принцип часто используют японские модельеры. Любовь японцев к «закутыванию», упаковыванию вещей находит воплощение в многослойности одежды. Отсутствие жесткой структуры приводит к тому, что одежда или окутывает фигуру, или упаковывает ее, или свободно ниспадает. Конструкция этой одежды такова, что при взаимодействии с телом человека при его творческом участии каждый раз получается новое творение. Это качество соответствует японской традиции — красоты нет без свободного пространства, красота воплощена в индивидуальном образе. В моделях японских дизайнеров воплощается и типичное для европейской традиции стремление каждой личности удовлетворить потребность в самовыражении. Они соединили восточную свободную конструкцию одежды и свойственное европейской традиции стремление выразить индивидуальность.

Традиционное отношение к материалу определяет внимание к фактуре, которое Отличает работы японских модельеров — новаторов в области создания новых материалов, например объемных тканей, существующих в трех измерениях. Особенно успешно в этом направлении работает И. Ми-яке: в специальной лаборатории проводятся эксперименты по термической и химической обработке тканей, соединению натуральных и синтетических волокон. Декоративное решение моделей также вытекает из традиционного отношения к орнаменту. Отсутствие композиционного центра и асимметрия являются характерными особенностями японского искусства — «перетекающий» орнамент с ваз, шкатулок и ширм японские модельеры перенесли на одежду (например, галстуки Кензо, орнамент которых плавно «перетекал» на рубашку). Японские модельеры предложили и асимметричные конструкции одежды, положив начало направлению деконструктивизма.

Еще одно качество японской традиции, столь необходимое современной культуре, — умение ассимилировать разнообразные влияния, отбирая лишь то, что органично сливается с собственной традицией. В дизайне одежды японские модельеры, соединив японскую и европейскую традиции, сумели создать новую одежду, которая не является ни чисто японской, ни европейской, а скорее может восприниматься как одежда будущего. И. Мияке ставил перед собой цель найти в моде новое направление — одновременно и не японское, и не западное. Пример синтеза японской и европейской традиций в дизайне одежды убеждает, что именно диалог культур способен придать современной культуре столь необходимые ей экологические качества. Японские дизайнеры предложили разнообразные варианты этого синтеза — трансформацию европейских форм одежды соответственно японским традициям (деконструктивизм), поиск новых форм на основе японских традиций формообразования (И.Мияке), соединение европейских конструкций и японского декора (Х.Мори).

Самые популярные азиатские дизайнеры мира

Азиатские дизайнеры одежды зарекомендовали себя не только как мастера деконструированной моды, но и как главные модные инфлюенсеры довольно давно. Сегодня мы вспоминаем самые известные имена в индустрии и их креативные решения.

Alexander Wang

Александру Вэнгу всегда удавалось быть впереди планеты всей и угадывать тренды на несколько сезонов вперед. В 2005 году дизайнер запустил собственный бренд. А в 2019-м сложно представить себе модницу, у которой нет хотя бы одной вещи из его коллекций.

Altuzarra

Платья Джозефа Альтузарра любят женщины во всем мире! Что стало причиной такого успеха – двойной бэкграунд дизайнера (Джозеф родился во Франции, а запустил бренд в США) или редчайший талант? Скорее всего, и то, и другое.

• Altuzarra, осень-зима 2019/20
• Джозеф Альтузарра и Карин Ройтфельд

Anna Sui

Свой первый показ американский дизайнер Анна Суи организовывала, имея всего лишь $300 в кармане. Успехом она обязана не только дружбе с супермоделями Наоми Кэмпбелл и Линдой Евангелиста,  но и собственной смелости творить, не оглядываясь на других.

Comme des Garçons

Навсегда изменив то, как мы понимаем женскую моду, дизайнер из Японии Рей Кавакубо навсегда останется в сердцах самых модных женщин планеты. В конце концов, она научила нас не только «идти против нормы», но и задаваться вопросом «что есть норма, и нужна ли она нам?»

Issey Miyake

Мияке – один из тех дизайнеров, который заставил весь мир говорить об азиатской моде. Выйдя на пенсию в 2007 году, он продолжает следить за креативным развитием своего бренда, а его знаменитый почерк и обилие платьев с плиссированными деталями останутся в наших сердцах навсегда.

Jason Wu

Мировую известность Джейсону Ву обеспечила Мишель Обама, надев платье его дизайна на инаугурацию своего мужа в 2009 году.
С тех пор нью-йоркский дизайнер работает с самыми знаменитыми женщинами современности, от Блейк Лайвли до Карли Клосс.

3.1 Phillip Lim

Филлип Лим – один из тех, кто не задумывался о карьере дизайнера, получая образование по специальности «бизнес и экономика». А еще он никогда не работал на известные модные Дома и с места запустил свой бренд в 2005 году. Может быть, поэтому его работы получаются такими искренними?

Prabal Gurung

Американский дизайнер Прабал Гурунг родился в Сингапуре, а вырос   в столице Непала – Катманду. Однако, работая над своими коллекциями, Гурунг черпает вдохновение не только в истории азиатской культуры, но и повышает осведомленность о политических событиях, происходящих здесь и сейчас, попутно доказывая, что мода может изменить мир.

Derek Lam

Задолго до того, как Дерек Лам был удостоен награды CFDA’s Swarovski Perry Ellis Award за выдающийся талант, дизайнер несколько лет работал с Майклом Корсом. Именно там он научился азам «американской классики», которая помогает ему делать коллекции, актуальные на все времена.

Sandy Liang

После прохождения практики у брендов Jason Wu, 3.1 Phillip Lim и Opening Ceremony Сэнди Лианг основала собственную марку и тут же стала одним из многообещающих дизайнеров нашего поколения. В ее коллекциях – одежда для самых крутых девчонок: удобная, практичная и… стильная, разумеется.

Vera Wang

Встретить принца на белом коне и выйти за него замуж в платье Vera Wang – неотъемлемая часть американской мечты из любого фильма для подростков. Интересно то, что Вера не планировала строить карьеру в моде и в юности занималась фигурным катанием. Однако это не помешало ей стать одним из самых известных дизайнеров во всем мире и кумиром миллионов.

Yohji Yamamoto

Нет ни одного дизайнера, у которого так же хорошо получается деконструированная мода, как у японского модельера Йоджи Ямамото. Причин любить его коллекции может быть миллион. Но самые популярные – авангардный подход к моде, оверсайз-силуэты и смелость быть не похожим на других.

---

Автор. Жанна Мустафина. Фото. IMAXTREE; пресс-офисы марок; Shutterstock; Instagram.

Читайте также

Иссей Мияке — японский модельер и дизайнер

Иссей мияке

Родился Иссей Мияке 22 апреля 1938 года в японском городе Хиросиме. Отец мальчика погиб на фронте, а сам он чудом выжил во время американской атомной бомбардировки Хиросимы. Мияке было тогда семь лет, 6 августа 1945 года он лишился сразу почти всей своей семьи.Мияке окончил художественную школу в 1959 году, и отправился в Токио, где поступил в престижный столичный университет Tama Art University. Там он начал обучение графическому дизайну. Именно в это время молодой человек впервые задумался о моделировании одежды. Будучи студентом, в 1960-ом, он решил написать письмо к представителям Международного конгресса дизайнеров в Киото. В послании юноша интересовался, почему в конгресс не вошли модельеры. К этому же времени относятся и первые эксперименты Мияки с формой костюма.В 1963 году свет увидела дебютная коллекция Иссея Мияки. Она имела возвышенное название – «Поэма из ткани и камня».

В следующем, 1964 году, молодой человек окончил университет, и решил ехать в Париж. Эту идею он осуществил в 1965-ом. Во Франции он продолжил постигать ремесло создания одежды в Школе при Синдикат высокой моды(L ‘E cole de la Chambre Syndicale de la Couture ). Мияки был талантливым и способным учеником, за это он получил диплом с отличием в 1966 году, а также ему было предложено место ассистента в модном доме «Ги Лярош» (Guy Laroche). Через год молодой человек переходит в мастерскую Юбера де Живанши (Hubert de Givenchy).

Спустя некоторое время Иссей Мияки отправился в центр мировой массовой культуры и поп-арта – Соединенные Штаты. Именно эти два направления тогда более всего привлекали юношу. В Америке молодой японец живет в Нью-Йорке и работает стилистом в мастерской модельера Джефрри БинаGeoffrey Beene). Однако в итоге Иссей решает покинуть США и вернуться на родину.

В Японии Мияке начинает работу над созданием собственного бренда, в этом ему помогает Томоко Комуру (Tomoko Komuru), его лучший друг. Так в Токио появилась фирма «Miyake Design Studio». Начинающий модельер предпочитает американский вариант моды, который заключается в создании «одежды для людей» — простой и удобной, как трикотажная майка и джинсы Мастерская начала работу в апреле, и в конце года Иссей уже готов был представить первую коллекцию своего бренда для сезона весна-лето 1971-го. В ее создании важную роль играет Макико Минагава (Makiko Minagawa) – дизайнер по текстилю.

Изображения эти по стилю напоминали татуировки членов японской преступной организации «якудза». На майках красовались лица кумиров западной альтернативной культуры, таких как Дженис Джоплин (Janis Joplin) и Джимми Хендрикс (Jimi Hendrix). Несомненно, таким интересным слиянием восточных и западных черт, Иссей Мияки привлек внимание к себе и своему новому бренду. Его имя попало в список авангардныхдизайнеров, которые показывают привычную моду с иной стороны.

В 1971 году японский модельер открыл свои представительства в Париже и Нью-Йорке. В последнем он продемонстрировал свою новую коллекцию сезона осень-зима 1971-1972 гг. Показ прошел в рамках открытия нью-йоркской галереи «Японский дом».

В 1973 году Иссей принимал участие в парижской и нью-йоркской Неделях прет-а-порте. Именно тогда и началась его широкая известность в мире моды.

В 1974 году появился первый фирменный бутик марки Issey Miyake в Токио. В следующем году магазин открылся и в Париже.

Принципиально новый стиль Мияке

Самые первые модели, созданные Мияке, поразили публику. Его трудно было причислить к последователям западной моды, но и восточным дизайнером тоже нельзя было назвать. Его одежда была непохожа ни на какую другую, она была принципиально новой. Из японских традиций костюма модельер позаимствовал стремление к комфорту и универсальности, а также многослойность и свободный, широкий крой. Его привлекают такие геометрические фигуры, как прямоугольник, квадрат и круг. Именно такие формы имеют его модели в разложенном виде. Модельер любит использовать набивку, а также гофрированную материю, любит создавать одежду-оригами, которая состоит из складок, гофры и изгибов. Мияке является яростным противником застежек, по его мнению, они сковывают движение.

Когда Мияке моделирует одежду, то никогда не думает о модных тенденциях, он предпочитает творить нечто свое. Хотя его творчество нередко оказывало влияние на мировую моду и работы многих других дизайнеров. Возможно, именно по этой причине время не лишает творения Мияке актуальности. Эту черту своей продукции Мияке и сам старается всячески подчеркивать.

Например, в 1986 году в Токио он открыл магазин, который назвал «Перманент». В нем продавалась одежда одноименной линии бренда Мияке, здесь можно было обнаружить товары, как из самой последней коллекции, так и из более ранних. Иссей ставит свою работу над временем и над модой. Неслучайно его стиль так близок многим представителям искусства. К числу его поклонников относятся Майлс Дэвис (Miles Davis) – известный джазовый музыкант, и Роберт Раушенберг (Robert Rauschenberg) – художник, который работает в направлении поп-арт.

Вдохновение Иссей черпает из впечатлений от путешествий по разным странам. В его творениях то и дело можно увидеть мотивы японских гравюр или сочные цвета Марокко. Известная художница из Австралии и давняя подруга Иссея по имени Люси Ри (Lucie Rie) после своей смерти оставила модельеру коллекцию пуговиц. Они были сделаны из фарфора и керамики, Мияки активно применял эти изделия для создания новых творений.

Особый стиль Мияке проявляется не только в моделях одежды, но и в организации его показов. Этот модельер предпочитает устраивать настоящие театрализованные шоу, вместо обычных дефиле. Иссей был одним из первых, кто начал так демонстрировать одежду. Помимо него в подобной форме работал и другой японский модельер – Кансай Ямамото (Kansai Yamamoto). В 1971 году в Нью-Йорке, местом для первого показа Мияке был избран гараж, в котором манекенщицы ходили не по подиуму. а по эстакадам. Дефиле стало настоящей сенсацией в мире моды.

На показах одежды прет-а-порте в Париже Мияке устраивал настоящие шоу, с танцорами и музыкантами, и места проведения дефиле снова были экзотическими. Например, спортивный стадион или гимнастический класс. Однажды демонстрация новой коллекции Мияке состоялась в плавательном бассейне. В 1976 году Иссай шокировал всю Японию, когда устроил дефиле-шоу под названием «Иссей Мияке и 12 черных девушек». Эти показы прошли в Осаке и Токио, и участвовали в них только темнокожие манекенщицы, среди них была и Грейс Джонс (Grace Jones). Японцы не привыкли к другим национальностям, они всегда были замкнуты, и своим показом Мияке хотел открыть им глаза на многонациональный мир.

один из немногих японских дизайнеров, добившийся успеха во всём мире. В начале создания компании это были коллекции одежды, а позже и собственная парфюмерная линия, которая тоже пользуется огромным спросом. Рассматривая коллекции на официальном сайте, понимаешь, что ни одна из них непохожа на другую. Все они индивидуальны и неповторимы, а сочетание геометрических фигур и принцип оригами отправляет Вас просто в какое-то далёкое будущее. Выбрав на сайте определённые категории, помимо одежды Вам будут предложены в качестве аксессуаров сумки, шали, платки этого бренда.

Стиль в одежде от японских дизайнеров. 117 фото

Японцы — необычная нация со своими традициями и взглядами, в том числе взглядами на моду. Несмотря, в большинстве своем, на природную хрупкость, многие японки носят объемную «балахонистую» одежду.

Впрочем, такой стиль, на самом деле, еще больше подчеркивает утонченность и худобу, а нежные и изысканные фактуры тканей и декора также способствуют этому. Страсть японских модниц к кружевам и вышивке, натуральным льняным и хлопковым тканям, эффекту многослойности в почете и у наших женщин, следящих за модой и любящих красиво одеваться. Так что красивые фото одежды от японского дизайна может пригодиться тем, кто ищет модного вдохновения.

Сегодня мы собрали 117 фото идей одежды и аксессуаров в японском стиле. Смотрите и вдохновляйтесь!

Стиль в одежде от японских дизайнеров. Все 117 фото

Понравилось? ❤ Сохрани!

Современные кимоно японского дизайнера Jotaro Saito

Jotaro Saito — японский модельер и создатель лейбла того же самого названия. Он специализируется на разработке и производстве современных кимоно, в которых сочетаются традиционные фасоны, цвета и рисунки с новейшими тенденциями.

Сайто родился в Киото, Япония. Его отец был дизайнером кимоно. В 1997 году Сайто дебютировал на Tokyo Collection в качестве дизайнера кимоно в возрасте 27 лет. В последующие годы он постоянно представлял новые коллекции на этом мероприятии. Его работы были отмечены в многочисленных телевизионных программах и в журналах и высоко ценятся кинорежиссерами и обеспеченными людьми. Он также является действительным членом Совета модельеров в Токио.

Философией дизайна Сайто является создание модных кимоно, которые при этом сочетается с современным пространством.

Если субъективно, то красиво. Местами мрачно. Местами почти брутально, местами даже агрессивно. Видимо, это концепция сочетания несочетаемого, понятная больше японцам, ведь для них женщина в кимоно — это воплощение нежности и женственности, некий идеал. А тут почти роковые образы. Но это как раз интересно. Для меня это новый взгляд и на японский минимализм, и на японскую роскошь сразу. Ткани с удивительными узорами, иногда в одном кимоно сочетаются современные цвета и орнаменты с традиционными японскими цветами и бамбуком. Некоторые кимоно можно назвать прямо-таки урбанистическими. И есть, есть в коллекциях Сайто толика японского рока 🙂

Так что я познакомилась и вас хочу познакомить 🙂

Конспект дизайнера: Япония в дизайне

Япония – уникальная страна, о чем ни говори. Графический дизайн, созданный в этом государстве – не исключение. Даша Стеценко прочитала лекцию о визуальной культуре Японии, культовых японских дизайнерах и современных проектах, а Telegraf.design снова законспектировал услышанное.

Источники: 1, 2, 3

Япония была закрыта для Европы до эпохи великих географических открытий. В 1543 году западная культура ненадолго проникла на остров. Но уже в 1639 Япония установила политику самоизоляции и полностью закрылась на два столетия. Посмотрим, как развивалась традиционная графика на протяжении японской истории. Начать стоит с живописи, так как в Японии она во многом схожа с графикой.

Японская живопись

Источники: 1, 2 (Keibun Matsumoto), 3, 4 (Ito Jakuchu), 5, 6 (Kanô Yasunobu), 7, 8, 9 

Живопись в Японии носит декоративно-прикладной характер. В основном это не картины, а ширмы, раздвижные двери в интерьерах и иллюстрации к литературным произведениям. Распространена техника использования золотой фольги. Сейчас она не менее актуальна. Также характерны скругленные края. Например, в “Острове собак” есть отсылки к традиционной японской живописи.

Техника «Суми-э»

Источники: 1, 2, 3, 4

Суми-э – это монохромная живопись тушью. Техника была позаимствована у Китая, но в Японии она также получила довольно широкое распространение. В основном расписывали ширмы. Поскольку в традиционных интерьерах не использовались стулья и люди сидели на полу, то и все важные элементы на ширмах размещались внизу. Кроме того, в живописи Суми-э активно использовалась каллиграфия как неотъемлемая часть композиции.

Каллиграфия

Источники: 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7

Каллиграфия – один из ярчайших видов японского и азиатского искусства в целом. Современный японский язык сочетает в себе несколько азбук: китайские Кандзи иероглифы, две японские азбуки Хирагана и Катакана, арабские цифры и латиница, которая сейчас активно используется.

Куклы кокэси

Источники: 1, 2, 3, 4

Кокэси – это деревянные куклы без рук и ног с очень интересной росписью. Буквально двумя-тремя линиями изображены волосы и брови, что хорошо отражает японское видение прекрасного – скромно и в тоже время выразительно.

Гравюра укиё-э

Источники: 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8 (Kuniteru II Utagawa), 9

Укиё-э является самым ярким видом японского искусства. Для ее создания на деревянной доске вырезают печатную форму, для каждого цвета форма будет своей. Затем совмещают оттиски – цвета печатаются один за другим, после чего получается изображение. Ксилография – сложная техника, но в то же время она позволяет тиражировать и делать произведения доступными для большого количества людей.

На гравюрах чаще всего изображают пейзажи, городские мотивы, мифологические сюжеты, иллюстрации к литературным произведениям, а также гейш, куртизанок, актеров, борцов сумо, самураев. Все лица практически одинаковые, упрощенные. Тогда же возникает отдельный жанр «Сюнга» – это эротические картинки, которые отображают жизнь так называемых веселых кварталов в Японии.

В 1853 году Америка заставляет подписать Японию договоры о ведении внешнеэкономической деятельности. С этого момента государство становится открытым для Запада. В то же время в Европе проходят всемирные выставки. В Париже в 1867 году на одной из них впервые демонстрируется Япония. Здесь показывается быт японцев, дома, и конечно же, гравюры. Европа просто сходит с ума по всему японскому – в том числе по японской графике и культуре. Влияние Японии на европейское искусство конца XIX века называют «японизмом».

Источники: 1, 2, 3

Японский графический дизайн ХХ века. Старая школа

Юсаку Камэкура – один из известнейших японских дизайнеров. Его плакаты не пропитаны особенным японским духом — они выполнены в распространенном в то время интернациональном стиле. Юсаку разнообразно играет с формой и объектами внутри нее.

Дизайнер запомнился в первую очередь логотипом для летних олимпийских игр в Токио в 1964 году. Он изобразил «бессмертную» форму – красный японский круг, который четко символизирует Японию. Также Юсаку был автором логотипа Nikon, одной из версий ракушки Shell и основателем первого в Японии журнала о графическом дизайне и искусстве Creation.

Источники: 1, 2, 3, 4

Казумаса Нагаи – дизайнер с неповторимым авторским стилем графики. Как и многие тогда он создавал логотипы и знаки, но запомнился прежде всего своими анималистическими плакатами. Цвета, формы, контрасты, простая композиция и потрясающий эффект. Животные смотрят прямо в душу.

Источники: 1, 2, 3, 4, 5, 6

Икко Танака – дизайнер-модернист, который создавал японские по цвету, духу, и сюжетам работы. Может показаться, что сделать такой плакат очень легко, но на самом деле добиться такой выразительности и звонкости композиции не так уж и просто. Обратите внимание на контраст цвета, когда каждый угол на плакате – разный по цвету и по напряжению.

Источники: 1, 2, 3, 4

Сигео Фукуда – наверное, самый известный японский графический дизайнер. Он запомнился использованием в своих работах оптических иллюзий и работой с контрформой. Также Сигео делал экологические и антивоенные плакаты. Знаки Сигео отличаются от других как раз таки использованием контрформы и оптических иллюзий.

Источники: 1, 2, 3

Таданори Ёкоо – дизайнер, который делал умопомрачительные и очень сложные по композиции плакаты. В основном, это были афиши для фильмов и театров. Можно увидеть, как сложно он сочетает огромное количество элементов. Здесь и силуэты, и фотографии, и кадры, много текста, градиент – и все сочетается. Количество объектов сумасшедшее, но смотрится очень круто. Здесь и сакура, и веер, и красные круги, и фотографии в каждом углу, и текст.

Источники: 1, 2, 3, 4

Коити Сато – противоположность вышеупомянутым авторам по своему стилю. Он делал воздушные, минималистичные плакаты. И здесь вспоминаются ширмы, у которых основной акцент находится в нижней части. На этих плакатах тоже картинка находится внизу, а верхняя часть остается воздушной.

Источники: 1, 2

Ёсикадзу Эбису – дизайнер, который рисовал очень веселые картинки. Это манга, но манга не типичная японская, а манга андеграундная. Он рисовал непривычные по графике комиксы и эротические картинки.

Источники: 1, 2, 3, 4, 5

Современный графический дизайн

Начнем с иллюстратора Рио Токимаса, который делает графичные, геометрические иллюстрации, которые немного похожи на гравюры. Например, если сравнить гравюру и иллюстрацию, то мы видим похожие композицию, цвета, градиенты и текстуры. Рио рисует замечательные по пластике овощи, фрукты, животных и птиц. Особенностью японской графики есть совмещение тонких линий с большими по массе пластичными пятнами.

Источник: www.behance.net

Противоположность Токимаса – Томоми Мицукоши, который как раз таки делает иллюстрации в духе андеграундной манги. Он создает примитивные, но в то же время пластичные и выразительные иллюстрации. Общее в работах Мицукоши и Эбису – словно рисовал один человек, но разными инструментами.

Источник: tomomizukoshi.tumblr.com

Шун Сасаки – дизайнер, который делает суперкрутые знаки и плакаты с использованием больших, массивных иероглифов и букв. Он так закручивает внутренние просветы в иероглифах, что получаются отдельные структуры.

Источники: 1

Тадаши Уэда – дизайнер, который делает замечательные японские постеры. Трендовые элементы, сочетания цветов – японцы круто миксуют свою письменность, иероглифы и латинские буквы, написанные разными шрифтами. Похоже, он наследует приемы плакатов со сложной композицией и нагромождением элементов.

Источники: 1, 2

Японские проекты

Теперь рассмотрим отдельные японские проекты. Проект Агата Ямагути Cool Japan Culture – это три постера, которые демонстрируют красоту японской культуры. Здесь дизайнер совмещает традиционные японские образы с современными, например, деревянные сандалии гэта с глазами из аниме.И благодаря такому миксу чувствуется Япония, даже без использования иероглифов.

Источник: agatayamaguchi.com

Проект Mikanz – это упаковка для мандаринов от студии Maru. Когда вы ее открываете, на вас благодаря прозрачным стикерам «смотрят» мандарины. Сама упаковка очень минималистичная, и что самое главное – на ней нет изображения продукта.

Источники: 1, 2

Следующий проект для кофе % Arabica. Надо обратить внимание, что буквы А в логотипе заменены символами дельты, благодаря чему у бренда появился не только запоминающийся логотип, но и уникальный хештег в социальных сетях. На стакане только знак процента, никаких логотипов и названий – по-японски минималистично.

Источники: 1, 2

Проект Kotori Juice Stand – это соки с логотипом-птичкой. Сайт синего фирменного цвета. Это позволяет любой цвет напитка легко комбинировать с синим цветом.

Источники: 1, 2

Следующий пример – фирменный стиль для буддистской церемонии, которая проходила во время открытия пагоды после ее реконструкции в одном из японских парков. Дизайнеры сделали логотип на основе форм самой пагоды. И снова он был с элементами золота и кругами.

Источник: daikoku.ndc.co.jp

Театральный проект для спектакля студии Akaoni. В лягушке примечательно то, что скорее всего она была вырезана как японская гравюра, только более грубо на дереве или на другом материале. Например, похожего эффекта можно добиться с помощью линогравюры — гравюры на линолеуме.

Источник: www.akaoni.org

Это пример социального проекта Olive студии Nosigner. В 2011 году в Японии случилось землетрясение, вследствие которого произошла авария на АЭС. И в тот же день эта дизайн-студия выпустила сайт и проект под названием Olive. У логотипа тут много смыслов. На этом сайте люди со всего мира должны были делиться советами, информацией по выживанию в условиях катастрофы. Писали, что есть, что пить, как оказать первую помощь. Спустя 4 года студия решила собрать самые важные советы, оставленные на сайте, и сделать коробку «второй помощи», которая может находиться у каждого японца дома и в автомобиле. В укрытии с ней можно оказывать вторую помощь. В коробке находится инструкция с советами и правилами, проиллюстрированная таким образом, чтоб быть понятной в условиях паники.

Источники: 1, 2

Как передать дух Японии, если вы не японский дизайнер?

Как же нарисовать так, чтоб считывался дух Японии? Посмотрим проекты для ресторанов японской кухни, так как это самая распространенная в нашей повседневной жизни точка контакта с японской культурой.

Тайско-японский ресторан Kaiju в Малайзии. Дизайнеры изобразили годзиллу как японского персонажа и тайского дракона. Также тут используется золото и розовый цвет, который очень характерен для всей азиатской культуры.

Источник: www.behance.net

Проект Cha.ology – это фирменный стиль для чайного домика в Англии. Здесь, чтобы показать японское настроение, дизайнеры решили графически интерпретировать систему «татами». Татами – это японский коврик, которыми застилают полы в домах. Татами имеет четкие пропорции относительно человека. И сами помещения строятся с пропорциями, зависящими от размеров татами и их количества на полу. Дизайнеры решили использовать эту систему, но не сохранять в логотипе пропорции. Кроме того, используется табличная верстка и японские иллюстрации, когда много черных пятен и тонких воздушных линий.

Источник: www.behance.net

Проект Sushi&Co – суши-ресторан на круизном лайнере в морях возле Финляндии. Здесь комбинируется скандинавский и японский минимализм. Простейшим сочетанием обычных форм получаются замечательные штуки — обратите внимание, как с помощью одной точки в знаке амперсанда получилась рыбка.

Источник: bond-agency.com

Проект Kisume в Австралии – опять-таки это ресторан суши. Здесь дизайнеры решили использовать не традиционные приемы, а футуристические и технологические. Здесь используется пластик и муар. Соединяется синий с красным. На улице никаких вывесок и логотипов.

Источник: bpando.org

Omakase Room, сделанная студией Savi, – это небольшой ресторанчик в Нью-Йорке. Он рассчитан лишь на 8 человек, в котором все продумано до мельчайших деталей. Например, серая обивка кресел перекликается с серой обложкой меню. Дизайнеры используют тонкую прозрачную рисовую бумагу и японскую каллиграфию, комбинируют тексты с использованием антиквы и гротеска. «Красный кружок» – это не просто декор, это подарок – керамический диск, который ароматизируется запахами в зависимости от сезона. В Японии традиционно есть 5 сезонов – зима, весна, лето, осень и межсезонье. Поэтому в зависимости от времени этому диску придается аромат, напоминающий Японию. Диск вкладывается в конверт с красным кругом и становится подарком для гостя.

Источник: savvy-studio.net

Проект Nihonshi – это этикетки для саке. Здесь используется золото и фигурируют женщины из японских гравюр. При чем в гравюрах золото не использовалось, но дизайнеры соединили золото с силуэтами гейш. Шрифт – контрастная антиква. Здесь нет букв, которые напоминают по своей форме иероглифы, нет жестких линий. Но японское настроение чувствуется все равно.

Источник: www.behance.net

Личный опыт

Фирменный стиль, созданный в агентстве Canape, для ресторана и доставки еды Roll Club в Харькове. Меню ресторана сочетает в себе четыре кухни мира: японскую, американскую, итальянскую и китайскую. В фирменном стиле мы показали Японию с помощью красного и розового кругов, волн, веера и текстов в тонких рамках, отсылающих зрителя к подписям на традиционных гравюрах. Плюс в некоторых случаях логотип и тексты написаны сверху вниз, создавая настроения японской письменности. Причем сами буквы ничуть не напоминают иероглифы по своей форме.

Источник: www.behance.net

Ранее Telegraf.design писал о том, как японский дизайнер переделал известные логотипы в полезные вещи.

Японский графический дизайн: красивые иллюстрации и типографика

Чтобы понять последние события в японском графическом дизайне, мы должны изучить уникальный синтез современных японских стилей и их западных эквивалентов.

Затем примите во внимание все популярные движения, такие как Римпа, Школа живописи Кано и гравюры на дереве укиё-э; и сравните их с очень влиятельными западными модернами, Баухаусом, конструктивизмом, футуризмом и дадаизмом.

Подробный анализ истории японского дизайна был бы невозможен без учений и публикаций Gendai shogyo bijutsu zenshu («Художник-коммерсант») периода между 1928 и 1930 годами, в которых основное внимание уделялось всем эффективным техникам, присущим этой дисциплине.

Публикации Gendai были первой попыткой познакомить японскую визуальную коммуникацию с правилами дизайна западного мира, что делает их роль еще более важной.

Графический дизайн впервые был признан отдельной дисциплиной в конце 19, ^– годов и в рамках рубрики «dezain» (транслитерированная версия английского «design»). Это слово японцы использовали, чтобы отличить графическое искусство от цзуань (дизайн) и сёгё бидзюцу (коммерческое искусство).

Получите 300+ бесплатных подарков на ваш почтовый ящик!

Подпишитесь на нашу рассылку и получите более 300 дизайнерских ресурсов за первые 5 минут в качестве подписчика.

Спасибо!

Нужен еще один шаг. Проверьте свой почтовый ящик на наличие электронного письма с подтверждением информационного бюллетеня.

Как и в западном мире, японские графические дизайнеры подвергли сомнению разницу между искусством и дизайном только после внедрения современных технологий печати. На заре 20–900–15–-го века, когда образцы массового производства были более или менее доступны для всех, стало чрезвычайно трудно определить произведения, которые можно было бы квалифицировать как искусство.

Категория «художественные дизайнеры» возникла более или менее в то же самое время, во главе с вдохновленными творцами «чистого искусства» (дзюнсэй или джунсуи гейдзюцу), которые не имели ничего против использования своего виртуозного мастерства в коммерческих и рекламных целях.

Тем не менее, в то время трудно говорить о строгом различии, поскольку художники уделяли большое внимание сохранению достоинств и художественных ценностей своих работ, даже занимаясь коммерческим искусством.

Период между 1615 и 1868 годами известен как период Эдо, когда гравюры укиё-э были единственными формами, воспринимаемыми как коммерческое искусство и ориентированными на простых людей, а не на коллекционеров произведений искусства.

В переводе японские графические изображения, известные как укиё-э, представляют собой «изображения парящего мира», представляющие массово производимые и широко распространенные изображения повседневной Японии и ее культурных достижений. В качестве тем японские дизайнеры часто используют известных знаменитостей и красавиц, всемирно известные пейзажи, их народные сказки или их героические сказки.

С этой целью были наняты многие художники школы Кано для украшения замков феодалов (даймё) этими коммерческими репродукциями.Высококачественная коллекция премиальных принтов суримоно свидетельствует о поэзии и мирной жизни периода Эдо, опять же в результате работы популярных художников, которые создавали ее для коммерческих целей.

В список входят знаменитые братья Огата Корин (1658-1716) и Кезнан (1663-1868), которые проектировали текстиль, гравюры и керамику в школе Римпа, и Маруяма Окё (1733-1795), создавший прекрасные ткани для кимоно Эчигоя.

Дизайнеры

Rimpa также были вдохновлены более ранней коллекцией изображений ямато-э императорского двора (искусство периода Хейн, 794–1185), которые все иллюстрируют традиционную японскую литературу (например, сказку о Гэндзи или «Повесть об Исэ») и могут можно узнать по их тонкому изогнутому контуру, который отличает их от китайского угловатого очертания кара-э.

Они также имеют плавные формы и непрозрачные цвета, что позволяет кимоно, веерам и керамике выглядеть так же элегантно, как и они.

Объявление

Стили и примеры японского графического дизайна

Учения школы Кано

На современный японский графический дизайн в основном повлияли профессионалы школы Кано, чьему искусству покровительствовал сёгунат Муромати (1333-1568).

Основателем этой школы был Кано Масанобу (1434-1530), учитель и профессионал в рисовании тушью, который руководил работами, выполняемыми в храме Сёкокудзи, а также для нужд китайских династий Южная Сун и Юань в Киото.

Стиль рисования тушью, который он принял, принадлежал монахам-художникам дзэн, но с течением времени претерпел серьезные изменения из-за доминирующего покровительства и влияния светских экспертов, таких как сёгуны Асикага (1228-1573). Они были официальными лидерами этого стиля более 400 лет, и большинство из них освоили свои собственные ответвления и версии.

Глядя на пейзажи Кано, мы заметили характерное и очень символичное содержание — животные и растения представлены с благоприятным и аллегорическим смыслом.Линии четкие, строгие, выполнены китайской тушью, а цвета яркие и уютные.

Тем не менее, во всех цифрах все еще видны японские аранжировки и чувствительность. Это наглядно объясняет, как школа Кано повлияла на современные формы искусства, в частности, на гравюры на дереве.

Эффекты Кано также можно почувствовать в японской строгой художественной подготовке на месте, где студенты должны тщательно и детально копировать оригинальные изображения из книг Кано.Овладев навыками копирования, они получают право называть себя дизайнерами Кано, и только тогда они могут разработать свой собственный стиль и создавать свои собственные книги.

Студенты, подобные этим, в прошлом выбирались городскими властями и богатыми простыми людьми в качестве мачи-эси, а именно художников, которые будут рисовать жанровые сцены и украшать общественные места. Другие художники Кано решили заняться гравюрами на дереве, и именно они экспортировали эту традицию в западный мир и, возможно, вдохновили все движение ар-нуво.

Еще одним важным событием в развитии стиля Кано стало восстановление 15-летнего Тэнноу (Императора) в качестве политического лидера в Эдо в 1867 году. Японию Мэйдзи Исин (государственный переворот) возглавили Чоушу (префектура Ямагути) и Южный даймё Сацума (Кагосима), и имя Мэйдзи было выбрано, чтобы дать молодому Тенноу Муцухито «просвещенное правление» государством.

Его клятва 1868 года обещала японскому народу свободы, во многом похожие на современную демократию, а именно прямое участие в управлении, политических реформах и самоотверженный поиск мудрости и принятие мировых практик.В следующем году он отменил внутреннюю администрацию, упростил и сократил высшие чины самураев.

Учения школы Римпа

Высокодекоративный стиль живописи «Римпа», процветавший в период Эдо (1600-1868). был назван в девятнадцатом веке в честь одного из ведущих художников, Огаты Корина (尾形 光 琳, 1658 — 2 июня 1716).

Он включает в себя смелые графические изображения природных мотивов и формализованные изображения вымышленных персонажей, поэтов и мудрецов с литературными коннотациями, а также привлекательные композиции, которые умело сочетают каллиграфию и изображение.

Исторически Римпа возник в 1615 году, когда Хонами Коэцу в сотрудничестве с Таварая Сотацу основал в Киото сообщество художников и ремесленников под патронажем богатого торговца из буддийской секты Нитирэн. Их целью было возродить классические придворные традиции и стиль живописи Ямато-э.

Оба художника происходили из семей кузнецов мечей, которые служили императорскому двору и великим военачальникам. Сотацу производил коммерческие картины, декоративные вееры, складные ширмы и украшал бумагу с золотым или серебряным фоном.

Коэцу, писавший в ярком аристократическом стиле периода Хэйан (794–1185), а также каллиграфию, лак и японскую чайную церемонию, затем написал стихи на декорированных бумагах Сотацу.

В ранний период Эдо западный стиль стал популярным, и, как следствие, римпа избегалась художниками и академическими художественными учреждениями. Однако он был воплощен в эпоху Гэнроку (1688–1704) братьями Огата; Корин и Кензан, сыновья преуспевающего торговца текстилем из Киото.

Корин, используя богатую цветовую палитру и градацию оттенков, передал природу как абстрактное явление, эксцентрично украшенное золотом и жемчугом. Стиль римпа был реинкарнирован еще раз в девятнадцатом веке Сакаи Хоицу (1761-1828), а его ученики, такие как Судзуки Киитсу (1796-1858), устроили возрождение Римпы, которое выросло из копирования работ Корин.

Поздние художники Римпа сосредоточились на цветах или качогах (птицах и цветках), часто под влиянием нового натуралистического стиля стирки школ Маруяма и Шидзё.

Эффекты западного стиля

Это было незадолго до того, как правительство Мэйдзи признало силу живописи и искусства для своего общества, а также для Японии в ее новой роли как международной объединенной державы.

Подобно тому, как Токугава основал Институт изучения варварских документов (Баншосирабешо), чтобы понять колониального врага, который им угрожал, у правительства Мэйдзи были политические и практические, а не эстетические мотивы в продвижении искусства; это было получение иностранной валюты за счет экспорта, чтобы оплатить огромные затраты на модернизацию и представить себя миру как культурную и «цивилизованную» нацию.

Миссия Ивакура Томоми 1871 года оказала огромное влияние на искусство Японии. Группа правительственных чиновников объехала США и Европу с целью изменения несправедливых договоров и изучения западных административных систем. Они вернули более 500 иностранцев, чтобы помочь в модернизации, которая стала означать вестернизацию, многие из которых преподавали в Токийском университете.

Они изучили западные вкусы и вернули специалистов для оказания помощи в области декоративно-прикладного искусства.Это удовлетворение вкусов жителей Запада на международных выставках должно было сформировать лицо японских ремесел, но такая адаптация к требованиям внешнего рынка не была новостью для периода Мэйдзи.

Венская выставка 1873 года представила категории «изящных» и «промышленных» или технических искусств, тем самым разграничив искусство и ремесла, которые в японском языке до этого времени считались одинаковыми. Следовательно, слова «бидзюцу» и «гейдзюцу» были созданы для передачи этих соответствующих значений.

Использование таких терминов могло повлиять на мастеров, которые, чувствуя повышенный статус «бидзюцу», пытались отделить свои работы от категории промышленных искусств, придавая им более декоративный вид в соответствии с преобладающими в то время европейскими вкусами.

Однако более простой и сдержанный стиль «ваби» оставался верным истинной японской строгой эстетике. Подводя итог, можно сказать, что ремесла Мэйдзи превратились в роскошный декоративный стиль, основанный на китайском дизайне и мотивах.

На выставке 1893 года в Колумбии Япония впервые участвовала в категориях «Изящное» и «Промышленное». Внедрение западных культурных ценностей привело к дихотомии в японском искусстве, как и почти во всех других аспектах культуры, между традиционными ценностями и попытками воспроизвести и ассимилировать множество противоречащих друг другу новых идей.

.

Японское письмо, красивая сложная система — Smashing Magazine

Об авторе

Шоко Мугикура — японский дизайнер из Берлина. Помимо работы над проектами книжного дизайна, она руководит студией шрифтового дизайна Just Another Foundry… Больше о Шоко Mugikura …

Как японец, живущий в Европе, меня иногда спрашивают: «Японский — сложный язык, не так ли?». Те, кто спрашивает, часто удивляются, когда мой ответ прост: «Нет, на самом деле, это не так.».

Меня, как японца, живущего в Европе, иногда спрашивают: «Японский — сложный язык, не так ли?» Те, кто спрашивает, часто удивляются, когда мой ответ прост: «Нет, на самом деле, это не так».

Хотя это правда (по крайней мере, для многих жителей Запада), что японский язык является экзотическим, по сравнению с изучением других европейских языков, это может показаться сложнее, потому что он не имеет отношения к их собственному языку. Но исходя из моего собственного опыта изучения английского и немецкого языков (а также наблюдения за некоторыми европейскими друзьями, изучающими японский язык) я могу с уверенностью сказать, что изучение разговорного японского языка на самом деле не так уж и сложно.Грамматика во многих отношениях проще, чем в большинстве европейских языков. Возьмем, к примеру, тот факт, что у нас нет падежей, грамматических родов или статей. Однако писать и читать по-японски… ну, не все так просто.

Обсуждая типографику, мы чаще всего сосредотачиваемся на проблемах английского языка, что вполне естественно, учитывая, что большая часть дизайнерских материалов написана на английском языке. Однако многое можно почерпнуть, глядя на то, как другие языки используются как часть коммуникации и дизайна — это помогает придать контекст и другую точку зрения.

Дополнительная литература по SmashingMag:

Японские письменности

Современный японский язык написан смесью трех основных алфавитов: кандзи — китайских идеографических символов — а также хирагана и катакана — двух фонетических алфавитов (слогов). Есть несколько тысяч символов кандзи, в то время как хирагана и катакана содержат по 46 символов. Хотя существует основное правило, когда использовать какой сценарий, есть много исключений, и что еще хуже, слова, написанные на кандзи, часто имеют несколько вариантов произношения, в зависимости от контекста или соединения.Это достаточно сложно, чтобы носитель языка понимал каждый раз правильно, поэтому мне почти жаль тех, кто не является родным, которые учатся читать и писать на японском.

Сверху вниз: Кандзи в основном используется для лексических элементов: существительных, основ глаголов, основ прилагательных и так далее; Хирагана имеет округлые формы букв, которые в основном используются для грамматических элементов предложений, таких как частицы, вспомогательные глаголы и суффиксы существительных; Катакана имеет угловатую форму буквы, которая чаще всего используется для иностранных слов, а также для выделения.

Некоторые говорят, что «трагедия» началась, когда Япония решила «импортировать» китайскую систему письма, вписав ее в свой язык в 3 веке.

Поскольку японский так же отличается от китайского, как и от любого другого языка, простого использования китайской системы письма было недостаточно, и был найден более подходящий способ написания японского. Некоторые китайские иероглифы стали использовать не по их значению, а исключительно по их фонетическому значению. Таким образом, к IX веку сценарии хирагана и катакана были получены из упрощенных китайских иероглифов, которые использовались для фонетического письма японского языка.

На этом история не заканчивается. Как будто использования трех скриптов недостаточно, мы пишем как в горизонтальной, так и в вертикальной ориентации.

По горизонтали? Вертикальный? Уникальный случай японской типографики

«Вертикальный или горизонтальный?» — при установке текста на японском языке это вопрос, который японские дизайнеры постоянно должны задавать себе. Возможность использовать как вертикальную, так и горизонтальную ориентацию письма — это настолько нормально для нас, носителей японского языка, что большинство из нас даже не задумывается, почему это возможно, или даже когда и как это было впервые представлено.

Идентичный фрагмент текста расположен по вертикали (справа) и по горизонтали (слева). Когда он установлен вертикально, он читается сверху вниз, а линии идут справа налево; когда он установлен по горизонтали, он читается слева направо, как в европейских языках.

В общем, эти две ориентации письма имеют четкое употребление: вертикальное для чего-то «японского», «традиционного», «романов и других гуманистических произведений»; горизонтальный для «современных», «деловых документов», «научных статей и работ на иностранном языке» и т. д.Когда основной текст расположен горизонтально, переплет находится слева, а страницы перемещаются вправо, как книги с латинскими буквами. В традиционных книгах с вертикальной ориентацией все наоборот: переплет находится справа, а страницы переходят влево. Так что, когда вы берете в руки японскую книгу, не путайте лицевую сторону с оборотной стороной!

Типичный макет страницы японского романа в мягкой обложке с вертикальной настройкой. Огай Мори (1913), «Абэ Итидзоку», Синсё-бунко.

Излишне говорить, что традиционная каллиграфия всегда выполняется вертикально. Благодаря своему органичному расположению персонажи часто связаны между собой и имеют разную высоту и ширину, что делает невозможным их разъединение и выравнивание по горизонтали. Каллиграфия Кейко Симода, 2011 (tsukushidesign.com)

Горизонтальная настройка предпочтительна для научных текстов, математических текстов и книг, связанных с языком, где часто используются слова и фразы из иностранных шрифтов и знаков, поскольку их легче встраивать горизонтально.Пример (выше) — это японско-английский словарь. (Карманный всеобъемлющий англо-японский / японско-английский словарь, 2000, Обунша)

Там, где важно эффективное использование пространства, а именно газеты и журналы, обе ориентации часто сочетаются. Хотя это может показаться немного хаотичным или даже случайным для посторонних глаз, эти два направления обычно используются систематическим образом как средства для обозначения различных текстовых элементов на странице. Например, основной текст часто устанавливается в вертикальном положении, но заголовки и подписи могут быть установлены в горизонтальном положении.

Типичный макет газеты — основной текст вертикальный, а заголовки, диаграммы, таблицы и подписи расположены горизонтально.

Та же газета, что и выше, но с выделением вертикального текста (оранжевый) и горизонтального текста (синий). © The Nikkei (8 мая 2009 г.)

В некотором смысле это сравнимо с «типографскими вариантами», которые встречаются в латинской типографике — в тексте латинскими буквами можно использовать полужирный, курсив или другой шрифт, чтобы различать такие вещи, как извлекать цитаты из основного текста, тогда как на японском языке мы можем сделать это, используя другую ориентацию.Публикации, которые содержат нелинейный или сложный текст (в отличие от линейного текста, такого как романы), по-видимому, выигрывают, в частности, от наличия этих двух ориентаций, которые позволяют макету быть очень гибким, а также создавать сильное визуальное воздействие.

Крайними случаями «типографики, ориентированной на эффективное использование пространства», являются информационные фрагменты текста, такие как диаграммы и вывески, также использующие две направленные ориентации. Карта метро Токио (рис. 10) — хороший пример этого — как вы можете видеть, обе ориентации используются соответственно, так что все лучше всего вписывается в ограниченное пространство.

Схема метро Токио

Схема маршрутов метро Токио. Крупный шрифт вверху — это название станции, расположенное горизонтально. Название метро может быть горизонтальным, но названия остановок расположены вертикально.

Это правда, что во многих случаях они выглядят довольно хаотично, а иногда даже эстетически сомнительны для глаз, привыкших к «упорядоченному» дизайну. Но легко оценить визуальное воздействие и энергию, которые они создают — они напоминают вам, что эффективный, привлекательный информационный дизайн не всегда должен выглядеть «аккуратно и аккуратно».

Письма моих друзей: когда дело доходит до почерка, ориентация зависит от личных предпочтений или просто от «настроения». Но когда вы пишете более официальное письмо или пишете кому-то, кто намного старше вас, вероятно, безопаснее выбрать вертикальную ориентацию.

Что происходит с экранами?

С момента появления горизонтального письма в японском языке печатные СМИ и вывески эффективно использовали обе эти ориентации письма, дополняя друг друга.Но что происходит с экранными носителями? За некоторыми исключениями, такими как текстовые процессоры, предназначенные исключительно для вывода текста на японском языке, или субтитры для экранов фильмов и телевизоров, которые, как правило, используют то или иное в зависимости от фонового изображения, преобладающим выбором была горизонтальная ориентация.

Ярким примером этого является Интернет: горизонтальная ориентация использовалась почти исключительно. За последние 15 лет я почти не встречал веб-сайт, который использовал бы вертикальную настройку. Экраны мобильных телефонов также имеют горизонтальную ориентацию.Я считаю, что это может быть связано с отношениями аппаратного обеспечения, операционных систем и пользовательских интерфейсов, которые стали нормой, и все они были разработаны для работы с горизонтальным письмом. Несколько неловко видеть вертикальное письмо, в то время как все другие элементы на экране, такие как строка меню и элементы пользовательского интерфейса, расположены горизонтально.

Излишне говорить, что технические ограничения (поддержка вертикальной настройки браузерами — довольно недавнее введение) также в значительной степени способствовали этому.Возможно, это недооценено, но, возможно, самым большим фактором отказа от использования вертикальной настройки для экранных медиа может быть мысленная ассоциация с горизонтальной ориентацией, используемой для чего-то «современного» и «современного».

Веб-сайт газеты «Нихон Кейдзай». Хотя в печатной газете основной текст используется вертикально, в веб-версии используется горизонтальная настройка.

До сих пор, даже с японским контентом, например с чайной церемонией, веб-сайт будет использовать горизонтальную настройку.(Проверено 20 января 2012 г.)

Вертикальная ориентация письма исчезнет?

Вертикальная ориентация письма исчезнет с экранных носителей? Или он может вернуться, когда технологическая среда позволяет нам легче использовать вертикальные настройки? Многие приложения для электронных книг на смартфонах и планшетах уже начали использовать вертикальные настройки. Благодаря интуитивно понятному способу навигации по экрану, а также отсутствию внешних устройств ввода (и приложениям, способным иметь более гибкий / отзывчивый макет), вертикальное письмо, кажется, внедрено гораздо удобнее.

Я потратил некоторое время на чтение этих электронных книг — и был приятно удивлен тем, насколько легко их читать. Помимо того, что вам нужно прокручивать экран по горизонтали, это так же удобно, как читать «обычный» или горизонтально установленный текст. На самом деле, это даже лучше для некоторых типов публикаций, таких как романы или манга. Наша ассоциация с этим типом контента по сравнению с вертикальной настройкой довольно сильна; было бы как-то «неправильно» видеть их горизонтально установленными.

Amazon Kindle еще не поддерживает японский язык, но, судя по всему, они уже на пути к этому.Если они серьезно хотят привлечь японских читателей, для них было бы немыслимо не поддерживать вертикальный сеттинг.

Электронная книга Сосэки Нацумэ «Санширо» (1908) на iPhone.

Электронная книга «OSHIGOTO» Котобуки Шириагари (2010 г.) на iPhone.

Ситуация, похоже, также медленно меняется в Интернете — были предприняты некоторые интересные попытки, чтобы познакомиться с веб-страницами с вертикальной настройкой. Одним из таких примеров является Taketori, который работает так же, как Google Translate — вы можете ввести URL-адрес веб-страницы, которую хотите видеть, в вертикальной настройке, и Taketori сделает это за вас.Также существует программа под названием Kagetaka, которая может переключать любой веб-текст в вертикальную ориентацию.

Лично я не уверен, насколько хорошо вертикальные настройки будут поддерживаться пользователями обычных веб-страниц, если только способ навигации по веб-страницам не будет переработан или не появится новый тип браузера с более инновационным пользовательским интерфейсом. Несмотря на то, что я ранее жаловался на сложность японской системы письма, я действительно ценю ее разнообразие и гибкость, в то время как использование трех шрифтов и двух ориентаций позволяет нам выражать тонкие нюансы содержания — и мы пользуемся этим на протяжении десятилетий. ,

Я подумал, что будет обидно, если мы потеряем эти методы текстовой артикуляции в эпоху экранных медиа. Но то, что происходило последние пару лет на мобильных устройствах с сенсорным экраном (а также в Интернете), может убедить нас в том, что обе ориентации письма могут счастливо сосуществовать и взаимодействовать на экране в будущем, так же, как они это сделали. -скрин за последние сто лет.

Не стесняйтесь делиться своими мыслями в разделе комментариев ниже.

(jvb) (il)

.